6 tips para entender la teoría del color

Rob Redman comparte su guía para entender el color y la forma en que puede ayudar a los espectadores a comprender las sutilezas de su trabajo.

El color, más que cualquier otro elemento del trabajo de un diseñador, tiene influencia sobre el sentimiento de espectadores. La comprensión de color, su simbolismo cultural y la relación entre los colores son necesarios para convertirse en un mejor artista y diseñador.

Estamos rodeados por el color en nuestra vida y ciertas cosas que sentimos o pensamos cuando vemos colores es por ciertas costumbres que tenemos.

Por ejemplo, el color rojo. Si usted ve una señal de peligro roja en un edificio público o una señal de tráfico roja, inmediatamente sabe que es probable que sea una señal de advertencia o alto. No es necesario estar al tanto del contenido de la señal o incluso su forma de obtener de inmediato la sensación de peligro.

Sin embargo, en Asia del Este, por ejemplo, que el entendimiento cultural puede conducir a un malentendido, ya que el color rojo se utiliza a menudo para significar buena fortuna o la prosperidad.

Pero hay otra cara de esta lengua de color, y que es la emoción. Los estudios han demostrado que algunos colores pueden provocar una respuesta emocional – el amarillo es alegría y progreso mientras que el azul es calmante, por ejemplo.

Este lenguaje emocional puede tener una base cultural, pero las relaciones entre los colores son fijos. Los colores complementarios son los mismos sin importar dónde se encuentre en el mundo, no  son influenciados por los antecedentes culturales.

Esto significa que es fácil de construir una paleta de colores para su proyecto en el que los resultados sean buenos. Todo depende de ti para juzgar si el esquema funciona en su contexto.

01. Inspiración

Algunos directores de cine utilizan el color de una manera muy deliberada, con el fin de ayudar al espectador a entender el contexto de una película y para ponerle «el sello» distintivo de su propio estilo . Jean-Pierre Jeunet tiene un estilo reconocible al instante y el lenguaje visual que es consistente a través de todas sus películas. Esto todavía desde Delicatessen tiene un aspecto muy similar y se sienten a sus otras películas, los colores que utiliza  son para transmitir la atmósfera de la historia. De hecho, el uso del color se trata tanto de la percepción, ya que es el realismo.

02. Percepción de la luz

La luz de la Luna no es azul, es sólo nuestra percepción visual que juega con nuestra vista y la mente. Cuando miramos a la Luna, lo que en realidad estamos viendo es la luz blanca del sol refleja de nuevo a nosotros fuera de la superficie gris de la Luna. No hay nada allí para dar a la luz un tono azul. ¿Por qué es azul claro la luna en las películas? La respuesta es simple, debido a una percepción y significado común en todo el mundo en que relacionamos el azul como una noche calmada y el rojo como un día soleado. La percepción es la clave de la comunicación en el uso del color.

03. Saturación

 

Temperatura se refiere a la forma en que «caliente» o «frío» es un color. Aunque hay valores matemáticos reales para esto – la temperatura se define en grados Kelvins – la mayoría de la gente se refiere en el extremo del rojo como color caliente y al azul como frío. La saturación es una medida de cuánto de un color está presente. La forma más fácil de visualizar esto es convertir la configuración del color de su televisor a blanco y negro. Al disminuir la saturación del color, sólo se quedará con varios tonos de gris.

04. Una Gran Ayuda

 

Aunque no hay sustituto para el aprendizaje y la observación, hay herramientas que pueden ayudar a acelerar su comprensión del color y te dará una mano a lo largo del camino. Estos pueden ser tradicionales, tales como ruedas de color (hay muchos para elegir y explorar por diferentes razones) o aplicaciones nuevas, como Adobe Kuler – un generador de combinación de colores que es muy práctico. ColorMunki ofrece herramientas de diseño que te ayudan a extraer y crear paletas de colores y calibrar las pantallas.

05. Rueda de color Kuler

Adobe Kuler se presenta con una rueda de color que contiene marcadores, por debajo del cual se encuentran una serie de muestras – ver la captura de pantalla de arriba. Tu puedes elegir qué tipo de esquema de color necesitas en el menú, como análoga o RGB.

06. Método del color

Estoy fijando el modo de Complementario – se pueden ver que los azules son opuestos  a los naranjas en la rueda de colores. Todo lo que hay que hacer ahora es cambiar la saturación utilizando los marcadores de flecha, y luego ajustar los resultados. Tu puedes ver mi aproximación en la captura de pantalla de arriba. Realmente es así de fácil, y una gran manera de fijar una paleta de color.

Fuente:

http://www.creativebloq.com/3d/6-tips-understanding-colour-theory-81412742

El realismo se alcanza con las imperfecciones

Muchos de nosotros invertimos mucho tiempo esculpiendo los objetos de nuestras escenas 3D y al final, en muchos casos, la imagen resultante es fría y sin gracia. Esto es porque hay muchos parámetros que hay que ajustar armónicamente para que el conjunto funcione.

La imagen 3D tiene un gran potencial visual. Hay muchas veces que podemos confundir una imagen irreal con algo real o que se asemejen a una foto. Para lograr esto hay conseguir que nuestros fríos renders limpios y definidos no sean perfectos. Hay que mancharlos, romperlos y llenarlos de las imperfecciones que tiene el mundo y que se producen en el proceso de pasar la luz a través de las lentes de una fotografía real.

10 trucos para mejor el realismo en una imagen en 3D

01.-Usar «Shaders» físicamente correctos para que hagan reaccionar la luz como en la realidad. Recordad que en la realidad no existen los colores altamente saturados. De hecho si echas un vistazo a tu alrededor, muchos de los objetos seguramente tienen colores con baja saturación.

02.-Ajustar el desenfoque de movimiento (motion blur) al 50% para simular el obturador de una cámara de cine (en el caso de animación).

03.- Añadir grano y otros fenómenos ópticos como distorsión de lentes, destellos

04.- Elegir una correcta temperatura del color en las luces.

05.- Desenfoque por profundidad de campo (depth of field). Ayuda a dar profundidad a la vez que destaca el objeto principal que queremos destacar.

06.- Elegir correctamente el decaimiento de la energía de la luz (Falloff). El que más se asemeja a la realidad es el cúbico.

07.-Usar luces físicamente correctas. Las luces de área cumplen estafuncion y, si tu software lo permite, el uso de archivos «ies» muestra la correcta distribución la luz. Las empresas que fabrican luminarias (Erco por ejemplo) suelen tener archivos IES de cada uno de su modelos de luces.

08.-En imágenes con contraluz se pueden añadir los clásicos destellos (lensflares) que se producen cuando el sol entra directamente en el objetivo. Esto se puede hacer en Photoshop, aunque abusar de este efecto puede producir una imagen de mal gusto, ten cuidado.

09.- Las aberraciones cromáticas, hay programas, como 3dMax, que tienen shaders que los simulan. Si no es así, con un poco de Photoshop se pueden simular aunque digo lo mismo que con los destellos, cuidado con pasaros de la mano.

10.- Renderizar al 75% del tamaño final para suavizar el aspecto final de la imagen mediante el escalado (aumentar) y al mismo tiempo ahorrar tiempos de render.

Fuente:

CGTalk

P.S. Esto ayuda a crear imperfecciones similares a las que sedan en las fotos reales. No es necesario usarlos todos, pero la inclusión de algunos ayuda bastante a crear la calidez de la que los gráficos 3D carecen por defecto.

30 consejos para crear una animación por Ollie Johnston

Oliver Martin Johnston, Jr. fue uno de los grandes maestros de la animación. De hecho, perteneció a la gran familia de los «Nine Oldmen», nombre con el que se designó a los nueve ancianos de Disney que asentaron las bases de la animación tradicional. Escribió, junto a Frank Thomas, el famoso libro «The Ilusion Of Life», un libro repleto de las técnicas de animación que se utilizaban en los estudios Disney.

Los 30 Consejos de Ollie Johnston:

1. No ilustrar palabras o movimientos mecánicos. Ilustrar ideas o pensamientos con sus actitudes y acciones.

2. Aplastar y estirar el cuerpo entero para expresar actitudes.

3. Si es posible, realizar cambios drásticos entre una actitud y otra, de tiempo y expresión.

4. ¿Qué está pensando el personaje?

5. Es el pensamiento y las circunstancias que hay detrás de la acción, las que harán que la acción sea interesante. Ejemplo: Un hombre se acerca a un buzón, echa en su carta y se aleja ó
Un hombre perdidamente enamorado de una chica, envía una carta en la que él abre su corazón.

6. Al crear el diálogo, ir a por la frase. (Simplificar el diálogo con imágenes clave de las vocales dominante y sonidos consonantes, especialmente en el diálogo rápido)

7. Inicia la actitud corporal 4 fotogramas antes del diálogo, pero luego usa el tiempo con precisión en la animación de la boca como aparece en la hoja de animación.

8. Cambiar de expresión y los sonidos relevantes son los principales puntos de interés en un dialogo. Si es posible, mantén fija la pose del personaje. Si la cabeza se mueve demasiado no podrá ver los movimientos y expresiones más sutiles.

9. No muevas nada a menos que tenga un propósito.

10. Concéntrate en la dibujar con claridad, no con limpieza.

11. No seas descuidado.

12. Todo tiene una función. No dibujes sin motivo.

13. Que la actitud corporal sea un eco de la facial.

14. Obtén la mejor imagen haciendo miniaturas de tus dibujos y explorando todas las posibilidades.

15. Analiza tu personaje en una pose específica y muestra las mejores zonas de encogimiento y estiramiento. Mantener estas áreas simples.

16. Primero visualiza en la cabeza qué es lo que vas a dibujar.

17. Piensa en la creación del personaje a nivel global, no sólo la cabeza o los ojos, etc. Mantén una relación equilibrada de todas sus partes.

18. Una buen puesta en escena hará mas creíble a tu personaje.

19. Elabora de vez en cuando, un perfil del dibujo en el que estás trabajando. Creando un perfil, te resultará más fácil crear proporciones apropiadas para la cara.

20. Por lo general, la curva de la ceja se encuentra se encuentra en el punto más alto del ojo.

21. El ojo es tirado por los músculos de las cejas.

22. Consigue flexibilidad en la cara; las mejillas, la boca y los ojos.

23. Consigue un movimiento fluido del ritmo del cuerpo en tus dibujos.

24. Anima formas sencillas.

25. Ten en cuenta que el público tiene dificultades para ver los primeros 6-8 fotogramas de cada escena.

26. ¿La acción secundaria de una escena contribuye a la idea principal de dicha escena? ¿Ayuda a entenderla o la hace confusa?

27. No animar por animar. Descubre lo que el personaje está pensando y que necesita la escena para encajar en la secuencia.

28. Las acciones pueden ser eliminados y hacer trampas con las puestas en escena, siempre y cuando se simplifique la imagen y no sea molesto para el público.

29. Usa la mitad de tu tiempo para planificar tu escena y la otra mitad para animarla.

30. Cómo animar una escena con un personaje de cuatro patas caminando. Trabaja en los patrones que actúan primero sobre el estiramiento y encogimiento del cuerpo, el cuello y la cabeza. Luego volver y animar las patas. Por último, ajusta el movimiento hacia arriba y hacia abajo en el cuerpo de acuerdo con el ciclo de cada paso.

Fuente:

http://www.frankanollie.com/AnimationNotesFromOllie.html

Consejos para tener buen TIMING en una animación

Antes que nada, se define el TIMING como el tiempo que toma realizar una acción o movimiento. Puede ser de todo el personaje o de parte de él. Resumiendo Timing es el Sentido del Tiempo aplicado a una animación.

En la animación 3D generalmente vemos un mal calculo del timing o un desconocimiento de lo importante que este es para que los personajes no «floten» si no que se muevan con energía.

Aqui van algunas recomendaciones:

1) Debes moverte tu antes de que intentes mover a otros. ACTÚA LA EXCENA!

 

2) Toma los tiempos con un cronómetro. Es una herramienta esencial para cualquier animador.

 

3) Realiza video-referencias de tu actuación o el movimiento que estés estudiando. Son muy útiles los códigos de tiempo.

 

4) Mira buenas animaciones en DVD estudiando y viendo los códigos de tiempo.

 

5) Esto es solo el comienzo, la computadora no realiza el timing, eres tu el responsable. No dejes que todo te lo resuelva el programa de 3D, el timing es algo que lleva tiempo hacerlo correctamente.

Suerte con sus animaciones!

Los 12 Principios Animados

Todos los que han animado alguna vez seguro que conocen «Los 12 Principio de la Animación». Son los principios básicos recogidos por gente como Frank Thomas y Ollie Johnston en Disney hace muchos, muchos años, para lograr dotar de vida y personalidad a cualquier personaje u objeto.

A continuación, pueden ver la animación «The Illusion of Life» de Cento Lodigiani en la que aplica esos principio a algo tan sencillo como un cubo.

Pueden visitar además su Tumblr para ver todos los ejemplos en una misma página: the12principles.tumblr